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Pédagogie / Les conseils d'Alexandre Sorel / MOZART : SONATE K. 333 (1ER MOUVEMENT)
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MOZART : SONATE K. 333 (1ER MOUVEMENT)

Par Pianiste / Vendredi 30 août 2013 / Pianiste Magazine N°82 - SEPTEMBRE-OCTOBRE 2013
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La ligne directrice de votre étude doit être ici la recherche du "parler Mozart". Qu'est ce que "parler" musique ? La réponse est indubitablement : "phraser". Cela signifie qu'il ne faut jamais jouer deux notes avec une même intensité, mais dessiner des courbes, appuyer certaines notes, en atténuer d'autres, respirer entre les phrases... Bref, votre imagination musicale doit vous dicter ce que vous désirez entendre (que ce soit à la main droite ou à la main gauche, cela est très important !) et vous devez le réaliser ensuite par le contrôle de votre poids dans les touches en vous écoutant de manière critique. La technique n'est pas autre chose. Dans la musique de Mozart, il faut être très précis. Il faut savoir exactement ce que l'on veut faire avec chaque note. Nous ne pouvons donc ici tout détailler. Voici donc quelques exemples illustrant ici la façon de travailler.


MES. 1-4




MES. 1-4

Tout commence par une anacrouse. Jouez cette prise d'élan sans vous "asseoir". Il est traditionnel chez Mozart de jouer les petites notes selon leur valeur réelle. Exécutez cette figure comme quatre doubles croches. Le do de la première mesure est une appoggiature, de même que le fa de la mesure n° 2. Mozart utilise les appoggiatures en grand nombre et il est essentiel de savoir comment les exécuter. Procédez ainsi : sur les notes qui précèdent ce do ou ce fa, allégez-vous dans les touches. Imaginez que vos bouts de doigts sont de minuscules balances électroniques. Bien que vous sentiez les touches abaissées en jouant sol-fa-mi-ré (ce qui vous permet de préserver la continuité du son, de jouer legato), n'appuyez pas, ne pesez nullement dans le clavier.


Puis, en arrivant sur le do de la mesure 1, laissez alors votre poids tomber, peser de bas en haut dans la note. Souvenez-vous que cela n'est possible que si vous avez suspendu votre poids auparavant. Exécutez toutes les appoggiatures avec cette technique. Elle vous permet d'anticiper la musique par le geste. Ajoutons que la mémoire dépend beaucoup, elle aussi, de ces gestes adaptés à la musicalité.


Main gauche. Voici maintenant un conseil essentiel : notre oreille musicale est attirée plus spontanément par les mélodies que par les accompagnements, ces derniers étant souvent confiés au registre grave. Les graves étant moins perceptibles, il faut donc écouter en premier la main gauche, la "surveiller" spécialement, même s'il ne faut surtout pas la jouer plus fort ! Aldo Ciccolini, dans son ouvrage Je suis un lirico Spinto (entretiens avec Pascal Le Corre, éd. Van de Velde), rapporte que Marguerite Long lui confia, à propos du deuxième mouvement du Concerto de Ravel : "La mélodie, on l'entend de toute façon ; elle est tellement belle qu'on ne peut s'empêcher de l'écouter. C'est pourquoi il faut davantage entendre la main gauche."

Tout au long de cette Sonate, peaufinez musicalement votre main gauche sans l'aide de la main droite. Et, lorsque vous jouez le résultat final avec les deux mains, surveillez-la spécialement, même si elle ne doit pas être plus forte que la main droite.


À la main gauche, donc :

1. Contrôlez chaque pulsation. Identifiez à l'oreille ses notes des temps. Apprenez les doigtés des notes temps. Ne pressez pas.

2. Atténuez vos fins de phrase, en allégeant votre poids du bras sur les terminaisons. Respirez entre les phrases.

3. Assimilez les gestes dictés par la musicalité. Laissez remonter votre poignet sur ces terminaisons

4. Ne vous contentez pas de faire "vivre" la musique à la main droite. Nuancez, amenez la vie musicale aussi avec la main gauche !


MES. 12-13



MES. 12-13

Ce trait vous paraîtra facile à jouer à la main droite si vous contrôlez vos notes des temps à la main gauche et si vous ne les pressez pas. Respectez-en les doigtés !

1. Commencez piano (afin de ne pas aboutir trop fort, ce qui crisperait vos doigts).

2. Comme dans nombre de traits mozartiens, il convient de distinguer ici deux voix à la main droite, la voix la plus aiguë et une voix d'alto. Elles sont, pour ainsi dire, sous-entendues. Faites ressortir la plus aiguë, surtout mesure 12 : si bémol (2e doigt), mi bécarre(4e), sol (4e). Rendez ces doigts suffisamment fermes depuis votre métacarpe. Ne négligez pas l'alto pour autant. Il ne doit pas manquer, même s'il joue moins fort. Ne "collez" pas les notes les plus aiguës.

Détachez-les, ce qui permet de ramener les doigts vivement vers le centre de la main et ainsi, de la maintenir en état de relaxation. Une main écartée est toujours plus faible et vulnérable à la crispation.


MES. 30


MES. 30

Les gestes et sensations qui correspondent à l'accentuation et le phrasé ne sont pas toujours semblables aux deux mains ! D'une manière générale, il faut peser dans les premières notes de phrase et alléger les terminaisons. De ce fait, sur le troisième temps, il faut alléger la main droite, mais peser sur la main gauche. Le geste doit être en conséquence. La droite doit remonter, et la gauche plutôt descendre. Les gestes sont donc contraires.

Regardez vos mains. Assimilez ces gestes, ils sont indispensables pour que vos doigts soient libérés, suffisamment agiles pour jouer ce petit trait avec clarté.


MES. 50


MES. 50

Nous disions en préambule que, pour jouer Mozart, il faut savoir respirer très rapidement, le temps d'une fulgurance, comme l'exige son articulation ou son phrasé. En voici un bon exemple. Mesure 50, le phrasé commence sur la deuxième croche du temps. Mais la première croche est munie d'un point de détaché. Il faut donc relever notre poids du bras très vite sur cette note, être rapide comme l'éclair. Nous n'avons pas beaucoup de temps pour cela !

La préoccupation essentielle en jouant Mozart consiste donc à viser la légèreté du bras à la faveur de brèves respirations, en le soulevant, ce qui, compte tenu des lois de la pesanteur, demande un effort physique bien supérieur à celui de le laisser tomber. Ajoutons que cette légèreté est évidemment tout un symbole, la métaphore d'une aisance d'esprit et d'une élégance qui ont trait à l'esprit mozartien lui-même.


MES. 64-65


MES. 64- 65

En ce début de développement de la Forme-Sonate, Mozart reprend le thème principal au ton de la dominante, Fa Majeur. Les principes d'exécution technique sont les mêmes, en particulier ce principe de toucher, qui est très important. Une fois que vous avez émis la note, vous ne pouvez plus en aucun cas agir sur le marteau ni sur le son. La seule chose que vous puissiez faire est de garder la touche abaissée afin que, l'étouffoir étant relevé, le son se poursuive tout seul jusqu'à ce qu'il meure de lui-même. En jouant le fa du deuxième temps, allégez donc votre poids du bras dans la touche, immédiatement après l'attaque, afin de récupérer ce poids pour les notes suivantes. Vous en ressentirez un immense bien-être tactile et une souplesse propices à faire chanter le piano. Retenez ce principe technique et appliquez-le tout au long de cette sonate.


MES. 71-72


MES. 71-72

Ce passage soutenu par des basses d'Alberti, est d'essence dramatique. Il faut tout particulièrement chanter avec les doigts. Ne laissez pas coller les basses de votre main gauche. Ramenez vos doigts vers le centre de la main. Rythmez votre main gauche à quatre temps (temps forts-temps faibles !) Enfin, jouez cette main droite en vous pénétrant de son aspect grave et profond, sans pour autant ajouter un pathos inutile. La musique parle d'elle-même à travers la tonalité de fa mineur. La technique doit permettre de laisser s'exprimer sans entrave la musicalité naturelle qui est en vous. Cette musicalité, quant à elle, ne relève pas d'une méthode ou d'un savoir-faire. Elle s'acquiert par l'amour de la musique et se développe par la culture musicale.Écoutez les opéras de Mozart, pénétrez-vous du timbre et du phrasé des plus grandes voix, celles de grandes mozartiennes comme Maria Stader ou Irmgard Seefried et vous jouerez de mieux en mieux Mozart...

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Photo de l'expert Pianiste Magazine : Alexandre Sorel
Alexandre Sorel
Passionné par la pédagogie, professeur au Conservatoire de Gennevilliers, j’ai créé une collection intitulée « Comment jouer » (Ed. Symétrie). J’enregistre aujourd’hui le CD joint à Pianiste, choisis et commente les œuvres proposées. Je cherche sans cesse à jouer avec plus de sûreté – en quête de justice rendue à l’œuvre –, de beauté et d’émotion. Amoureux du génie de Chopin, je demeure convaincu, à l’instar de sa pensée, que « technique » et art de la déclamation musicale vont de pair. C’est pourquoi je ne cesse de m’interroger sur la technique et la musique elle-même, de mettre en pratique cette belle phrase de Schumann : « On n’a jamais fini d’apprendre. »...
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